Valentina Carrascos Versuch, dem Simon Boccanegra von 1857 eine neue Form zu verschaffen, ist misslungen
Das Verdi-Festival führt Simon Boccanegra in Parma auf, allerdings in der Version von 1857, d.h. in der ersten von Verdi komponierten Fassung, die nach der Überarbeitung durch Arrigo Boito im Jahr 1881, die dann zur endgültigen Fassung der Oper wurde, bald von der Bühne verschwand.
Wir haben es also mit einer sicherlich unausgereiften Oper zu tun, die vielleicht in Eile komponiert wurde, in Jahren, in denen der junge Verdi zwangsläufig gezwungen war, den Produktionen und den Anforderungen der Theater hinterherzulaufen. Der Versuch ist interessant, aber in gewisser Weise auch ziemlich elitär, denn es handelt sich nicht um eine Wiederentdeckung, sondern um die Dokumentation einer Passage, die zu einer späteren Komposition führen wird, die sicherlich erfolgreicher ist und zum festen Repertoire gehört.
Dies ist jedoch der richtige Zweck von Festivals, ebenso wie das Schaffen innovativer Inszenierungen, die sich mit etablierten Meisterwerken auseinandersetzen und sie in neuem Licht und mit neuen Darstellungen beleuchten. Die Regie wurde daher einer Regisseurin anvertraut, Valentina Carrasco, die für ihre unorthodoxen, innovativen und manchmal provokanten Inszenierungen bekannt ist.
Carrasco wählt einen zeitgenössischen Blickwinkel und lässt die Handlung in Genua in den 1960er/1970er Jahren spielen, auf dem Höhepunkt der Arbeiterproteste. Es sind also die Hafenarbeiter, genauer gesagt die Angestellten eines großen Schlachthofs, die den Seeräuber Simone Boccanegra auf den herzoglichen Thron bringen, während sich die ganze Angelegenheit inmitten von aufgehängten Ochsenvierteln, Projektionen von Revolten, Schiffscontainern und Tischen zum Zerlegen von geschlachtetem Fleisch abspielt.
Die arme Maria/Amelia ist gezwungen, um dem Elend der Situation zu entkommen, Alpenveilchen in ordentlich quadratischen Beeten in einem Container, der als idyllischer Zufluchtsort hergerichtet wurde, zu züchten. Simones Apotheose findet folglich während eines Arbeiterfestes statt, bei dem große Grills zum Braten von Fleisch aufgebaut sind. Es mangelt nicht an farbenfrohen Fahnen, einem Tanz der Arbeiter/Choristen, die gerne zu Verdis Musik schwingen - übrigens eine der wenigen Szenen, die sowohl in der Regie als auch in der Interpretation gelungen sind - und einem großen, von oben herabgelassenen Plakat mit der Aufschrift "Viva Simone!".
Die dramatischen Szenen spielen sich dann inmitten von Reihen hängender Ochsenteile ab, eine offensichtliche Andeutung auf die Gewalt und das Blutvergießen, die mit der Macht und der Auseinandersetzung zwischen den genuesischen Fraktionen einhergehen.
Die Symbolik setzt sich im Finale mit einer Art verwandelnder Erlösung fort, wobei die Szene von einer künstlichen Morgendämmerung erhellt wird, die mit theatralischen Scheinwerfern erzeugt wird, Weizen aus dem Zement des Hafens sprießt und die Leute des Schlachthofs sich in idyllische Bauern verwandelt haben, die dem sterbenden Simon Weizen bringen, zusammen mit einem Lamm, vielleicht ein mystisches Symbol für Erlösung und Rettung.
Die Symbolik könnte umfangreich sein, die Lesart, auch wenn sie waghalsig ist, innovativ, aber das Ganze scheiterte unweigerlich an dem Mangel an Darstellern, die in der Lage sind, die Dramaturgie, die der Regie zugrunde liegt, wirksam zu verkörpern. Kurzum, wenn Carrasco "Regietheater" im deutschen Stil machen wollte, ist sie genau an der Regie und an der Bühnenvorbereitung der Sänger gescheitert.
Eine rettende Hilfe ist Vladimir Stoyanov, der aufgrund seiner eigenen Bühnenerfahrung immer voll für seine Rolle da ist und versucht, die Noblesse des Dogen auch im Pelzkragenmantel zu verkörpern. Szenisch absolut in Bedrängnis sind Roberta Mantegna, Paolo Pretti und Riccardo Zanellato, die lediglich singen, ohne jemals wirklich zu spielen. Sie führen die Regieanweisungen pünktlich aus, ohne dem, was sie tun, jemals Überzeugung und Glaubwürdigkeit zu verleihen.
Einmal abgesehen von der Gesangsdarbietung, auf die wir später noch zu sprechen kommen werden, liegt der Kern dieser Inszenierung genau hier: Es ist nicht möglich, diese Art von Projekt in die Praxis umzusetzen, ohne sich vorher mit der künstlerischen Leitung auf eine gemeinsame Linie zu einigen, die dann ermöglicht, Darsteller zu haben, die auch szenisch in der Lage sind, einen innovativen Weg zu gehen, eben ein 'Regietheater'-Konzept zu folgen. Darüber hinaus ist es wichtig, eine angemessene Anzahl von Proben einzuplanen. Nach dem, was wir gesehen haben, scheinen diese Proben nicht ausreichend gewesen zu sein.
Wenn dies fehlt, beschränkt sich die Innovation, wie so oft, auf eine etwas provokante und manchmal verwirrende Inszenierung, die von Sängern (leider nicht von Sänger-Schauspielern) aufgeführt wird, die sich an die Posen und stilistischen Eigenschaften des klassischen Musiktheaters halten.
Die Überlegung ist nicht umsonst, denn ein innovatives oder einfach nur zeitgemäßes Operntheater beginnt notwendigerweise aus der Ferne, aus einer Übereinstimmung zwischen der Wahl und den Absichten des Regisseurs und der Wahl und den Fähigkeiten, einschließlich der szenischen, der Darsteller. Es bleibt zu hoffen, dass es einem Festival, das die Aufgabe hat, die Art und Weise wie Verdi inszeniert wird zu erneuern, in Zukunft gelingen wird, diese Synergie zu schaffen und Raum für Darsteller zu schaffen, die es beherrschen, ein vollkommen zeitgenössisches Operntheater zu vermitteln.
Eine verpasste Gelegenheit also, was Valentina Carrasco nicht völlig entschuldigen soll, deren Projekt dennoch nicht voll überzeugen konnte, weil die dramaturgische Struktur etwas vage ist und mehrmals zu symbolischen Übertreibungen und Verwirrungen führt.
Der musikalische Teil wurde durch das aufmerksame Dirigat von Riccardo Frizza gut herausgearbeitet. Ihm kommt das Verdienst zu, den aufbrausenden, zuweilen bandartigen Charakter des frühen Verdi zu verdeutlichen, ohne dabei die in der Partitur vorhandenen Anklänge an Belcanto und Donizetti aus den Augen zu verlieren.
Vladimir Stoyanov, Simone Boccanegra, ist der einzige, dem es gelingt, sich als Darsteller zu behaupten. Er schafft es, inspirierten und kontrollierten Gesang mit einer exzellenten technischen Basis, mit einer guten Bühnenpräsenz und einem überzeugenden Versuch die Charakterrolle zu interpretieren, zu vereinen. Roberta Mantegna, Maria/Amelia, singt fleißig und korrekt, ist aber als Darstellerin immer verloren, manchmal abwesend. Dasselbe gilt für den Gabriele Adorno von Piero Pretti, der zwar korrekt singt, aber weder als Liebhaber noch als Antagonist des Dogen überzeugt.
Riccardo Zanellato, Fiesco, erscheint einfach auf der Bühne und singt seine berühmte Eröffnungsromanze auf inspirierte Weise, ohne jedoch dem Rest der Oper seinen eigenen Charakter zu verleihen. Devid Cecconi ist ein Paolo Albiani mit einer rauen und oft angestrengten Stimme.
Das Publikum, das während der gesamten Aufführung eher lauwarm war, begrüßte die Darsteller im Finale höflich. Es mangelte nicht an vereinzelten Protesten gegen der unbeliebten Ochsenteile auf der Bühne.
Raffaello Malesci (29 September 2022)